de Todd Phillips.

El género cinematográfico y las referencias de El rey de la comedia en el Joker.

¿Cómo comparar dos películas que se encuentran distanciadas por 37 años en el tiempo? Esta inquietud me nace al momento de escribir este texto.

Cuando vi la película Joker no pude evitar acordarme de El rey de la comedia, una película del año 1982 de Martin Scorsese. La razón por la que sucedió esto, es porque encontré varias referencias de la historia de El rey de la comedia en el Joker. La primera referencia es la de los protagonistas, que a pesar de tratarse de dos personas muy diferentes tanto física como emocionalmente, comparten un mismo propósito: llegar a ser alguien conocido, mediante la comedia. Para este propósito, los dos personajes se obsesionan con un presentador de tv al que ven como una inspiración y una puerta para alcanzar su objetivo. Mientras avanza la historia, los dos protagonistas se enamoran de una chica; se imaginan que conocen y que encuentran una figura admirable en el presentador de tv; pasan varios desplantes por parte del presentador de tv, etc. Hay otras referencias que trataré después junto con las imágenes de cada película, pero primero quiero hablar sobre cada personaje para conocer un poco en su contexto:

Rupert Pupkin, el protagonista El rey de la comedia, es presentado ante el espectador como una persona de aspecto formal, con un traje bien lucido y un peinado y bigote bien cuidados. Lo único que desentona con su apariencia es el uso de corbatas con colores muy llamativos, como son el rojo y el amarillo, haciendo un contraste alto con el resto del traje. Pero detrás de esa aparente sobriedad, se va descubriendo que Rupert es un personaje muy imaginativo, constante, aplicado, inusual, algo psicópata, inocente, amigable, romántico, y un poco pueril. Rupert es muy imaginativo; cuando apenas conoce a Jerry Langford (el presentador de tv) imagina que está en una cena de negocios, donde Jerry quiere a Rupert para su show de tv. Pero contrario a lo que imagina, Rupert recibe varios desplantes de parte de Jerry, lo que ocasiona que saque su lado psicópata y secuestre al presentador para conseguir su oportunidad de presentarse en el show haciendo su acto de comedia. Después de presentarse en la tv, es llevado a la cárcel por tres años mientras su popularidad aumenta. Al salir de la cárcel y como última escena se ve a Rupert en su propio show televisivo, aparentemente consiguiendo su propósito inicial de ser un reconocido comediante de televisión. .

Arthur Fleck es el protagonista del Joker. Desde el principio se nos muestra que trabaja de payaso. Con los dedos intenta hacerse una sonrisa en la boca, pero su mirada refleja sufrimiento. A Arthur dentro de su trabajo como en su vida personal le transcurren muchas adversidades que llegan a causarle un daño psicológico irremediable. Le encanta ver el show de Murray Franklin, incluso llega a imaginarse que está en el show y que Murray le invita al escenario y lo abraza. Arthur encuentra consuelo en su propia imaginación para escapar de la soledad y los maltratos de su mundo. Imagina que tiene una relación con una vecina; piensa que la gente le reconoce y lo idolatra, aunque al que conocen es al “payaso”; e imagina o percibe a Murray como un apoyo emocional. Después de todos los acontecimientos que sufrió y de cómo Murray se burla de Arthur en público, decide matarlo en su propio show de tv, provocando una ola de actos violentos en toda la ciudad, haciéndole a Arthur una especie de líder de todos esos hechos, aparentemente consiguiendo su propósito de ser alguien y dejando de ser el marginal de la sociedad.

Arthur, como se percibe es un personaje que encuentra en la violencia una forma de desquitarse del mundo y cómo éste le trató a lo largo de toda su vida. Rupert en cambio, es un personaje inocente movido por su deseo de ser un cómico reconocido. Entonces para retratar al protagonista y su mundo, cada director escoge el género cinematográfico propicio para su película según la historia que quieran y cómo la quieran contar. El género cinematográfico de El rey de la comedia que es comedia negra hace que la singular forma de ser de Rupert, junto con sus acciones a lo largo de la historia (por más incorrectas que puedan ser, como el secuestro de Jerry), sean percibidas de una manera hilarante, y no como algo grave, ya que Rupert lo hace de una manera inocente, sin malicia, guiado sólo por su deseo de ser un cómico reconocido, así como por ganarse el amor de Rita. El género cinematográfico del Joker es drama/suspenso, por eso, a lo largo de la película el espectador se ve envuelto en una constante inquietud con lo que vaya a suceder con el protagonista y la historia, porque sabe con antelación que lo que va a pasar será algo negativo para los personajes y el mundo diegético de la película. He ahí la diferencia fundamental entre las dos películas, que a pesar de tener varias referencias la una de la otra, cada una se encamina por una dirección diferente guiada por el género cinematográfico, cambiando de esta forma, la percepción que tiene el espectador de cada escena.

A continuación se verán varios fotogramas de las dos películas, en donde se puede notar las referencias que existen en el Joker de El rey de la comedia. Los fotogramas muestran una relación muy similar en sus composición de imagen, como también en la historia.

El presentador de tv Murray Franklin del Joker/ el presentador de tv Jerry Langford de El rey de la comedia.
Los dos personajes sirvieron de inspiración para los dos protagonistas.

Escena donde Rupert y Arthur están grabando/escribiendo sus actos cómicos. Se puede apreciar la similitud en la composición de la imagen y en la postura de los personajes.

Rupert ensayando su acto cómico delante de un público falso, con risas falsas/ Arthur dando su acto cómico delante de un escenario real, pero imaginando las risas y la aceptación del público.

Los dos protagonistas actúan que están en el show de tv. siendo entrevistados por los anfitriones.

Tanto Rupert como Arthur imaginan que reciben apoyo emocional de parte de los presentadores de tv.

Los dos logran salir en televisión presentando su acto cómico, pero de una manera muy peculiar. Rupert secuestra a Jerry para poder salir en su show. Arthur sale en el show de Murray a través de una grabación hecha con antelación.

Rupert se encuentra en las oficinas de Jerry Langford y se ve el rostro de él en la pared/ Arthur se encuentra en el camerino de Murray Franklin, de igual forma el rostro de Murray se encuentra en la pared.

Rupert y Arthur en una cita con la mujer que les gusta. Las dos mujeres son del mismo color de piel.

Planos en que los protagonistas miran en un pasillo largo y oscuro a las mujeres antes de entrar a sus casas. Se aprecia una gran similitud en la arquitectura del espacio, así como en la clave baja de la luz del lugar.

El rojo es un color muy visto en las dos películas, resalta sobre los otros colores e identifica a los protagonistas.

Rupert conocido luego del incidente con Jerry Langford/ Arthur conocido como el “payaso asesino” luego de matar a los tres sujetos en el metro.

Y cómo olvidar la referencia más notoria que existe en la película: Rupert es el personaje protagonizado por Robert de Niro; mientras que el mismo Robert de Niro actúa del presentador de tv. Murray Franklin.

Análisis de la película «Las horas» de Stephen Daldry

Tres historias, una Gran historia.

Las horas es una adaptación cinematográfica dirigida por Stephen Daldry del libro homónimo de Michael Cunningham, el cual cuenta la historia de tres mujeres de diferentes épocas, que están relacionadas de alguna manera por un libro en común llamado “La Señora Dalloway” de Virginia Woolf.

Desde el inicio, la película nos sumerge en el suicidio de una de las tres protagonistas que resulta ser Virginia Woolf (Nicole Kidman) la escritora de «La Señorita Dalloway» después de haberle escrito una carta desconsoladora a su esposo; de esta manera, se presenta el tono dramático que irá tomando la película desde un principio. Despúes de este hecho, hay una secuencia de escenas donde vemos a las tres mujeres acostadas en sus respectivas camas para posteriormente levantarse y comenzar su día. En esa pequeña secuencia no mayor a 5 minutos, el director nos muestra varios planos alternados de las tres mujeres encontrándose en casi las mismas situaciones; con esto, ya se nos da una idea clara de que las tres historias aquí contadas tienen una relación estrecha a pesar de encontrarse en épocas muy diferentes.

La película narra un sólo día de la vida de las tres protagonistas, tres días en total, tres épocas diferentes, conectadas a través del libro «La señora Dalloway». Virginia Woolf, que sufre de bipolaridad, no se siente apta para seguir viviendo de esa manera siendo un sufrimiento para ella como para su esposo; mientras escribe su novela se encuentra en el dilema sobre quién de sus personajes debe vivir y quién debe morir para que los demás personajes aprecien más la vida; al finalizar su novela Woolf es quien se suicida. Laura Brown (Julianne Moore) que lee “La señora Dalloway” y que se ve influenciada por la novela, en un momento de crisis emocional al enterarse que la vecina a quien ama en secreto tiene cáncer, piensa en el suicidio, pero desiste y toma la decisión de abandonar a sus hijos y esposo, dejando al cuidado de otra persona a su hijo Richard causándole un gran sufrimiento. Clarissa Vaughn (Meryl Streep) que es llamada por el poeta Richard (el hijo abandonado de Laura Brown) como “la señora Dalloway” porque ve una semejanza entre ella y la protagonista del libro, está haciendo los preparativos para una fiesta que se dará en la noche para festejar al poeta que sufre de SIDA del cual está enamorada, pero el poeta decide suicidarse antes de la fiesta, dándole una fuerte conmoción a Clarissa; este mismo acontecimiento sucede en la novela «La señora Dalloway» cuando la protagonista está haciendo los preparativos para una fiesta que dará en la noche y se entera del suicidio de otro personaje.

Las tres historias están basadas en una cadena de causas y consecuencias, en donde lo que sucede con alguna de ellas, afecta también a las otras. Como ese el caso de la influencia que ejerce el libro de Woolf en Laura Brown, haciendo que esta abandone a su familia, causándole un mayor daño a su hijo Richard. En el futuro vemos a un viejo Richard con SIDA acompañado de Clarissa, una mujer que se asemeja mucho a la protagonista del libro de Woolf.

Como puede darse cuenta, el libro “La Señora Dalloway” es la cadena que une las tres historias de las mujeres, haciendo de estas una sola historia que ha perdurado a través de tres épocas diferentes y que cada suceso transcurrido en la vida de la una, ha influenciado o ha perjudicado sobre la vida de las otras de forma directa o indirectamente. Estas historias son causas y a la vez consecuencias sobre las historias de las otras, por esta razón es imposible entender la historia de la una sin haber entendido la historia de la otra.

Análisis de la película «La Jetée» de Chris Marker.

Tiempo y memoria fragmentados a través de las imágenes fijas.

La Jetée de Chris Marker, para los que la hayan visto, se darán cuenta rápidamente que este film no es como los films que se acostumbra a ver en el cine o si quiera en la televisión. Y esto se debe a la peculiar forma en cómo está hecho este film: narrado únicamente a través de imágenes fijas (fotografías) a lo largo de toda la película, salvo por dos casos concretos.

Marker, cuenta la historia de un hombre prisionero que en tiempos de guerra es sometido a pruebas de viajes en el tiempo para que pueda buscar ayuda ya sea en el pasado o en el futuro. Pero este viaje se da solamente a través del subconsciente y de la memoria del prisonero; por esta razón lo único que logra recordar es un pasado fragmentado, una época en específico donde ocurrió un accidente y conoció a la mujer que le enamoró y que dejó en su memoria una sola imagen, su sonrisa.

La Jetée" di Chris Marker - Recensione - Critical Eye — Fotograma la Jetée.

Con esta historia que bien podía haberse contado de la misma forma que la mayoría de películas, me hace preguntar ¿Por qué el director decidió realizar de esta forma el film, por qué contar una historia a base de sólo imágenes fijas?

La primera respuesta que encuentro dentro de esta interrogante es la funcionalidad que le da la forma a la historia; el hecho de que el protagonista viaje a través del tiempo y de su subconsciente, hace que él al pasar los años haya olvidado gran parte de sus vivencias y que los pocos recuerdos que tiene sean interpretados sólo como momentos congelados, fijos, aislados y fragmentados. Y todo esto tiene un porqué, tiene que ver con la memoria, y cómo esta interactúa con la persona, como flashes repentinos que llegan y desaparecen en el instante, dejando tras de sí, una huella imborrable en el subconsciente del hombre. Y como nosotros vemos el subconsciente del protagonista, lo hacemos de la misma manera que él: momentos congelados en imágenes fijas.

Imágenes como confesiones: La jetée, de Chris Marker – Tiempo de Cine — El protagonista viajando por el tiempo a través de su memoria.

La segunda respuesta que encuentro tiene más que ver con la esencia de lo que es el cine (con su ontología). El cine viene a ser la sucesión continua de imágenes que reproducidas a una velocidad de 24 imágenes por segundo hace que el ojo humano perciba movimiento en las imágenes fijas. En el caso de la Jetée, claramente al ser un film, se reproduce a una velocidad de 24fps (imagenes por segundo), pero al ser proyección de imágenes fijas, donde no existe movimiento dentro de la imagen, se percibe solo como una fotografía haciendo que el espectador probablemente quede desconcertado. Y esto se debe a que el espectador relaciona (inconscientemente) el movimiento dentro de la imagen como un recurso importante para contar una historia dentro del Cine.

Fotograma - Wikipedia, la enciclopedia libre — Caballo en movimiento de Eadweard Muybridge. Al reproducir juntos los fotogramas en un corto tiempo se da la sensación de movimiento del caballo. Esto sirvió para crear el cinematógrafo y lograr reproducir imagen en movimiento que serviría como base del Cine.

Caballo en movimiento de Eadweard Muybridge. Al reproducir juntos los fotogramas en un corto tiempo se da la sensación de movimiento del caballo. Esto sirvió para crear el cinematógrafo y lograr reproducir imagen en movimiento que serviría como base del Cine.

Con esta lógica me atrevo a decir que Chris Marker cuestiona lo que es cine, desde el cinematógrafo que cumple la función de dar movimiento a las imágenes fijas para dar la sensación de movimiento en las imágenes proyectadas, hasta la forma en cómo se puede contar una historia en el cine a través de solo imágenes fijas. Lo que resulta algo espectacular es que si al inicio esta forma de contar, les puede resultar extraño a ciertos espectadores, mientras más avanza, el espectador se va centrando en la historia de amor, dejando de lado la forma del film.

Dato extra: André Bazin, teórico francés del siglo XX, escribió en su texto ¿Qué es el cine? un estudio sobre la Ontología de la imagen fotográfica. En este texto, el teórico escribe sobre la necesidad del hombre de representar la realidad a través de la pintura, desde el renacimiento con la invención de la perspectiva, hasta terminar con el barroco y la impresión de movimiento que se daba dentro de esta pintura. Tiempo después, con la invención de la fotografía, la representación realista del mundo, según Bazin, es captada objetivamente, sin la intervención de la subjetividad humana más que solo para encuadrar la imagen. La fotografía puede decirse que muestra una realidad incompleta y que el cine vendría siendo la imagen más completa de la realidad, ya que el cine aporta tiempo y movimiento a la imagen, dando la sensación de realidad a lo que se ve. Tomando en cuenta esta lógica ¿La Jetèe está rompiendo una vez más con la ontología del Cine, está apartándose de lo que ha conseguido el Cine sobre las otras artes visuales: ser la imagen realista más completa del mundo?

Si te ha gustado, o tienes algo que decir comenta abajo. Muchas gracias

Bibliografía:

André Bazin: ¿Qué es el cine?

André Bazin: Jean Renoir

Análisis de El Padrino III

La Cavalleria rusticana y la mafia.

Cómo terminar con excelencia una de las mejores sagas que se hayan hecho dentro de la historia del Cine? Esta pregunta me vino a la mente apenas leí el libro “Cosa Nostra” de John Dickie, en donde el escritor, cuenta un hecho histórico digno de apreciar para el que quiera entender por qué Francis Ford Coppola en el Padrino III hizo de la escena del teatro, junto con las últimas escenas uno de los mejores finales que se pudieron haber dado a la trilogía del Padrino.

Todo comienza con una Italia del siglo XIX que ve a Sicilia como una civilización atrasada del resto del país, en donde las cuentas de honor y orgullo eran algo muy sagrado entre sus habitantes, especialmente entre los campesinos que si sentían violentada su honra, la única forma de sanar tal perjurio era el duelo a muerte.

Pietro Mascagni, un compositor italiano de aquella época, en 1890 hizo la música de una ópera titulada Cavalleria rusticana, con libreto de Giovanni Targioni-Tozzetti y Guido Menasci. Esta ópera que cuenta una sencilla historia de celos, de honor, de orgullo y venganza que se da entre los personajes que son campesinos sicilianos, retrata claramente lo que se creía de la sociedad de Sicilia, gente que defiende su honor basados en códigos de caballerosidad rústica y anticuada como el duelo a muerte; de ahí el nombre de la ópera. Lo que resulta interesante es que hasta no hace mucho tiempo atrás, este comportamiento retrógrada de honor siciliano se lo conocía como “mafia”, pero no refiriéndose a una organización criminal, sino haciendo referencia al sentimiento y pasión violenta propios de todo siciliano.

Pietro Mascagni, compositor de la ópera la Cavallería rusticana.

Por esta razón considero necesario que se conozca un poco lo que representa la ópera la Cavalleria rusticana tanto para la historia de lo que se concebía como mafia en Italia, como para la historia de la película, ya que mientras se desarrolla una escena dramatizada de la mafia -mafia como sentimiento y honor- en la obra operística presentada en la película , también se está desarrollando conjuntamente una verdadera escena de la Mafia con los Corleone y sus enemigos.

En el Padrino III, La Cavalleria rusticana es presentada en una de las últimas escenas de la película, en donde el hijo de Michael Corleone, es protagonista de la ópera y al último se enfrenta con el antagonista por el desaire del que ha sido objeto. La obra de la ópera se desarrolla y se va alternando con el intento de asesinato a Michael Corleone mientras este mira la obra; así como los asesinatos que se van dando por sus subalternos a los otros mafiosos y a un cardenal corrupto. Entre los asesinatos perpetrados dentro de esta magna escena, se da el asesinato del mafioso Altobello que fue el que intentó matar a Michael Corleone.

Asesinato de Altobello observado por Connie, la hermana de Michael Corleone.

Toda la escena que se desarrolla en el Teatro, junto con los asesinatos de los mafiosos, tiene una trama muy bien contada, que junto con un montaje bien realizado, uno llega a relacionar y a enlazar la historia que pasa en la ópera con lo que sucede en esos mismos momentos con la Mafia.

El intento de asesinato dentro de la ópera Cavalleria rusticana/ El intento de asesinato de Michael dentro del teatro.

Ford Coppola hace de esta escena del teatro una representación de lo que se creía que era la mafia representado a través de la ópera y lo que realmente es la Mafia mostrando los asesinatos en el teatro mientras se desarrolla la ópera. Las dos cumplen con el código de caballerosidad rústica, el código de honor y orgullo que tiene todo siciliano; en la obra operística, el desaire del uno hacia el otro desencadena el duelo a muerte entre los dos personajes; en la Mafia de Corleone, los asesinatos perpetrados y los intentos de asesinatos son motivados por el código de honor, en donde los miembros de la familia de Corleone, matan a otros miembros de la Mafia para proteger a su propia familia.

Cuando termina la ópera y todos se encuentran en el exterior del Teatro, el matón enviado por Altobello falla y mata a la hija de Michael, haciendo que Michael pegue un grito desesperado cogiendo a su hija en brazos. Y comienza nuevamente a escucharse la Cavalleria rusticana.

Pero la Cavalleria rusticana no termina ahí, esta composición como música extra diegética nos dirige y nos acompaña emocionalmente por el ocaso de Michael Corleone, desde que él sostiene el cuerpo de su hija muerta afuera del teatro, pasando por los recuerdos suyos cuando bailaba con sus tres amores perdidos a causa de su involucramiento con la mafia: su hija, su difunta esposa y su ex esposa; hasta llegar a ver a un Michael Corleone en plena decadencia, totalmente solo, viejo, sentado en una silla, hasta que cae muerto al piso en su hacienda de Sicilia. La Cavalleria rusticana se volvió algo esencial al momento de mostrar el final de la película, así como el final de Michael Corleone.

La Cavalleria rusticana, digna de haber representando a la sociedad siciliana en el siglo XIX, cerró con broche de oro la trilogía de la historia del siciliano americano que tanto fue admirado, querido y en muchas ocasiones incomprendido por los que le rodeaban.

Análisis de la película El Padrino

La iluminación adaptada en la mafia.

La iluminación en el cine, siempre ha tenido la funcionalidad de servir como un recurso narrativo para la historia, aportando algo muy fundamental a la historia, que otros recursos narrativos no son capaces de hacerlo por sí mismos. Estoy hablando del recurso que es el ambiente de la película. Cada película que ha sido creada, primero se la concibe como una idea, una idea que en el papel se va desarrollando hasta que se logra contar una historia. Cada director junto con su director de Fotografía, son los encargados de dar un clima, un ambiente dramático que propicien un sentimiento, una emoción propia a cada una de las escenas, y en general a toda la película.

Este es el caso de Francis Ford Coppola y de Gordon Willis que, al crear la magnífica obra de El Padrino, supieron hacer de la iluminación un recurso narrativo muy versátil que se adaptó a cada situación contada dentro de la historia, haciendo de la iluminación ya no sólo un recurso narrativo, sino también un personaje íntimo, que acompaña en cada decisión importante al protagonista.

La iluminación cómo se explicó anteriormente, crea ambientes dentro de la película. En el caso de El Padrino, se podría decir que la iluminación que predomina en la película, es de clave baja, contrastada, que sirve para apreciar los momentos más dramáticos que suceden en la historia y que son utilizados en su mayoría en interiores. En contraposición a esta clave baja, se encuentra la clave alta, que es usada en espacios exteriores, así como en situaciones donde no existe una fuerte situación dramática.

Estos dos casos se puede apreciar al inicio de la película, en donde la clave baja es utilizada en la escena en que se encuentra Vito Corleone hablando con otro hombre dentro de la misma habitación. Se aprecia claramente ese fuerte contraste que existe entre los personajes y en el espacio donde se desarrolla la escena. Esta clave baja sirve perfectamente para la escena por la carga dramática que se presenta entre lo que conversan los personajes y lo que sucede, haciendo de este, un ambiente sofocante y en cierta forma creando una atmósfera de hostilidad entre Vito y su invitado.

Clave baja, contraste alto, atmósfera dramática.

También el alto contraste atmosférico que existe en las escenas con más carga emocional relacionadas con la mafia, llega al punto en que la iluminación sólo incide en los personajes involucrados, mientras el resto de la atmósfera queda en penumbra absoluta. Como el caso de la escena en que Vito va a ver a Sonny que fue asesinado por la mafia.

El otro momento significativo por ser completamente opuesto a lo que sucede en la habitación de Vito, es la escena que se desarrolla afuera de ella, que es la boda de la hija de Vito, Connie, en donde al ser un momento cálido y alegre, la clave alta es la mejor forma de representar ese ambiente.

Clave alta, momento ameno y alegre.

Otra importante caracterización de la iluminación es el color, mientras más cálida es, la iluminación tiende a ser más amarillenta, mientras más fría es, tiende a ser más azulada. En el caso de El Padrino, el uso de la iluminación cálida representa los momentos más dramáticos de la historia, así como los momentos en que existe una tensión fuerte. Esta iluminación muchas veces cae sobre el rostro de los personajes a los cuales les sucederá algo peligroso o harán que suceda algo. Este es el caso de la escena cuando se da el asesinato de Luca Brasi a manos de los Tattaglia. La iluminación rebasa lo cálido, cayendo en un matiz anaranjado.

Como conclusión, puedo decir que el uso de la iluminación tiene un fin práctico y narrativo, ya que sirve para representar al mundo de la mafia, desde los actos públicos y aparentemente tranquilos como la escena de la boda de Connie usando luz natural, hasta los acontecimientos más cruentos y perversos que suceden puerta adentro de la mafia, usando clave baja.

Voy a presentar la paleta de color de algunas escenas de la película, en donde se puede apreciar los contrastes de iluminación y de colores predominantes del film.